Gianni Staropoli 生于1974年，对舞台照明有着深厚的专业技术背景。1997年，Staropoli 加入 Dark Camera 公司并于罗马的弗里奥卡米洛剧院开始了他的职业生涯。2001年至2006年期间，他担任灯光设计师 Roberto De Rubis 的助理，期间积累了不少灯光设计的经验，曾在1999年到2003年期间为技术总监。2003年，他开始将目光拓展到现代戏剧灯光的研究上，与不同公司合作，并与多位导演和舞蹈编导进行合作，其中包括了 Marcello Sambati、Silvia Rampelli、Ascanio Celestini、Roberto Latini 等。
从事动态照明工作…
您将灯光视为舞台上至关重要的元素，力求超越表演与时间的局限，您如何诠释该理念？
研究旨在不断激发创意并将其与各种元素协调一致。我主攻现代剧院，应将舞台上微妙变化的一切以精准的方式呈现出来，因此，对此所做的研究也力求将各方面融合，将远景融入创意构思中。戏剧与表演时间密切相关，一定时间内的表演带给观众一段美好的时光体验。我的工作重点就是为舞台上的表演设计好灯光，捕捉舞台的一切，并仔细地观察演员的变化。随着灯光的变化，时间成为一种元素，由始至终，我力求通过灯光在舞台创造出一个新的时间概念。
当我们要呈现舞台上的演员时，灯光让一切变得有可能。灯光与演员的关系极为微妙，时而靠近，时而疏远。当灯光瞬时熄灭或在五秒钟之后慢慢地熄灭时，舞台上的黑暗场景代表着时间的流逝。在舞台上，各种疑虑暂时放置一边，飘渺不定的光像脆弱的生命一样变幻无常，当然也表明：想要收获就要耐心等待。
自然光/人造光
您曾说戏剧中的自然光和人造光对您而言并无逻辑区别，您如何解释这一点？
我是现场布景的一部分，既置身其中，又可抽离出来。最后，所有一切都融为一体。自然光在这里也绝不会显得突兀。真正令人动容的戏剧，所有的光景都散发着和谐之美，哪怕只是一些斑驳的光影，都并与整体场景巧妙相融。
光与暗的互动可更好呈现舞台场景并暗示时间的流逝，我沉迷于对此的研究，以便超越人造光和自然光营造的效果的差别。灯光要随舞台上戏剧的变化而变化。几年前，我曾为一系列在特殊场所举办的活动担任灯光助理的工作，比如古罗马城市广场、圣天使城堡、埃斯特庄园以及其他类似这样的地方。在这些照明设计中，我们有时引入傍晚的日光与夏日的月光，其效果与灯具营造的效果完美结合。
我认为，照明陈列和灯具是两个极美的概念，类似自然光与人造光的理念。对事物的概念随时间推移而成型，我仍然在试图理解光的艺术：完全的黑暗是可以营造的吗？
光-感官体验的关键
在塑造舞台演员形象时，您想要的象征性角色与表达之间的差异是什么？对你而言，为剧本、戏剧、导演和你的工作提供支持的最重要的概念关系是什么？
几年前，在 Alessandra Cristiani 的表演上，光正好照向她的心脏，这得益于我在舞台中央使用了小型窄光束白光透光灯。当她将手抬起到她心口的位置时，灯逐渐熄灭，然后整个舞台变黑。看完剧本后，我便领会角色与灯光的关系。只需要她的位置变暗还是要整个舞台都变暗？让舞台自动合拢幕布还是要打双重灯光？是否营造一种色调？使用哪一种颜色？持续多久？这些无数的问题与疑问所体现出的是舞台表达上的差异、各元素之间的关系以及灯光带来的感受。从概念关系到剧情与台词的关系，延伸到所有元素之间的关系，此时，舞台作为一种环境，时间变成一种体验， 台词则表达人物真实的内心。所有这一切是摧毁与变化的概念体现，因为在剧本中，通过演员的表演，所有东西都可以在两页剧本内创造出来或者被摧毁掉，因此，灯光在此期间应做好支撑作用。
剧场的真实与现实的超真实
作为一种现实元素，灯光的动态变化是否向您预示演员在舞台上的剧情以及行为的变化？
现实与灯光的动态变化紧密联系，如同场景与现实紧密联系般。光与暗是呈现场景的重要元素，通过其灵活的特性来完美的展现喜剧的情节。在戏剧达到高潮时，灯光渲染剧情的冲突。
我们生活在一个多重真实的时代，真实性在夸张的表演面前变得渐行渐远及模糊不清。在剧场中，感受着每一刻的脆弱性，让我试图将真实渗透到各个角落。我不知道对此该如何定义，只能给几个简单的指引。灯光的变化就像是音乐家的乐谱：同样地，演员需要与灯光的移动相互配合，像舞蹈与音乐之间的关系一样，光与观众之间能产生良好的互动。当我为舞蹈设计照明时，会去寻找音乐的深度，以及灯光与寂静、声音、噪音以及音乐这些因素之间的关系。正如时间改变或空间移动发生变化一样，在某些特殊情况下，灯光也会发生改变或没有实现预期的效果，因此空间营造就显得尤为重要。
空间的概念/更多有关技术的问题
能否介绍一下您过去在定义灯光概念方面所进行过的努力以及所取得的成就？
设计前阶段对我而言是充满挑战并且需要小心处理的，有点像站在门槛上的感觉。以与现代作家 Juan Mayorga 合作的“永久的和平”为例。角色由四只狗和一个人组成。导演设想的场景是人们对透明有机玻璃箱子中的狗进行不断地观察、提问并发出命令。
在空间方面，舞台-观众席，或者观众-演员的比例是非常独特而又具有挑战性的课题，并且都应与有机玻璃箱保持客观的距离。我一开始就想到在表演中使用光束形成器和 LED 灯，这主要是考虑到其技术特点以及所能提供的光线质量，其次是为了解决另一个不容忽视的问题，即减少光线反射和杂光。另一个至关重要的问题是颜色，在最终实现亮白色之前，我们经历过数次尝试，主要是为了让光线
照射到箱子的内部。我选择采用展示柜正后方的两个灰色背景布幕来处理色彩，从而有效地分离颜色并突出四条狗的情绪状态以及它们之间的关系。同时，我还有机会思考并试验这种灯光技术，从而使其不致于总是聚焦在演员身上。
请分享一下您所使用的技术、装备类型和光源设备。您通常会运用什么方案以及如何看待新的 LED 聚光灯和灯光系统？
生活充满技术，它加强了生活的现代感，同时也确保了生活的质量。技术是一条常流不息的河流，有利有弊。但如果回到戏剧这个背景，这个问题就简单多了，这主要源于技术能够把握好很好的比例。例如，舞台幕布开启系统仍然是一个由绳索和滑轮构成的装置，并且需要操作员来进行控制。
在灯光、声音、舞台材料和视频等方面，技术已经带来了许多创新，而演员仍然需要通过辛苦的演绎才能得到好的效果。技术贯穿于整台戏剧始终，为演员的表演提供支持。它有可能令戏剧效果锦上添花，也可能毁了整出戏。
我非常注重比例问题，因此当我负责一场要求高水平技术支持的演出时，个人倾向于尽量保持自然，尽可能避免不必要的视觉重叠。在其他案例中，我方案中应用的技术让我可以营造一种经验的视觉效果。我由衷欣赏散射光，它可以无约束地照亮整个舞台；还有经典的201或者202滤光镜，它们能营造白光的氛围。在中型舞台制造散射光时，我通常使用传统的白炽聚光灯，配有平凸透镜，散发出宽光束的同时，光线柔和且有针对性。
用散射光时，我也会用到 LED 灯，尤其是白色漫射光 LED 灯带。除了要考虑 LED 质量优劣的问题之外，能量转化效率、最低热传导值和安装的多功能性也不容忽视。RGB 色彩转换系统能轻松确保色彩斑斓的灯光效果。我个人偏爱由传统的乳白灯带营造的颜色，但我也必须承认在某些舞台，LED 甚至智能摇头聚光灯通常是最好的方案。
您觉得现在年轻人是专注于照明设计的研究并将其与现代剧院相结合，还是只是把自己的灯光设计理念运用到不同环境？同时，您认为照明设计的培训方式与您刚进入这个行业时有何不同？
毫无疑问，如今受教育和获取最新技术的机会已经大大增加。无论是大学硕士教育、研习班、定期研讨会、各式聚会，还是由一些协会提供的私人课程，有志于学习更多灯光技术的年轻人，都可以在其中找到正确的学习途径和训练机会。因为没有一所学校能教会你所有的东西，每个人都必须在学习的道路上自己走下去。
二十岁之前，我住的房子有一个巨大的窗户，透过窗口，无论白天、黑夜或是任何季节，我都可以180度无阻碍地欣赏大海、墨西拿海峡、伊奥利亚群岛、埃特纳火山、斯特隆博利岛上冒着烟的火山口、天空和光线。我就是从这些风景中领悟和学习到有关设计的知识。
遗憾的是，现代剧院并不总是有充足的资金和支持。近几年，情况变得更难以维持。灯光设计师运用创造性工具，通过实验的方式为现代戏剧诠释空间、时间概念，而且他们无所畏惧，心中充满了热情，他们希望在照明行业实现自己的理想。
尤其在意大利，选择现代剧院进行灯光设计作为全职工作需要作出很大的牺牲。这也是为什么这么多的灯光设计爱好者在进行了多次的尝试之后，最终被迫去寻找其它能够提供更好回报的专业领域，这也意味着想要对此进入更深入的钻研有时会成为一种奢望。
